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| “Creo que nos gusta la vida enferma que llevamos” |
| Entrevista con Lizette Abaham |
| Christian Núñez (Fotos: Eugenia Montalván Colón/unasletras) |
 Mérida, 17 de noviembre de 2008. En la reactivación de la escena cultural en Mérida, destaca Lizette Abraham, artista visual orientada al fotoperformance. En su obra, Lizette hace uso del maquillaje, vestuario y accesorios llamativos; combina objetos orgánicos e inorgánicos –frutas, flores, cables, focos, monitores– y no teme a la experimentación formal y a la metamorfosis estilística. Aparte de eso, le gusta armar proyectos con artistas de diversas disciplinas. En julio de este año realizó un performance en el Centro Cultural Olimpo para Murmullos en Babel, exposición pictórica de Jorge Ermilo Espinosa Torre (además de grabar un video en conjunto con Espinosa Torre y Henry Ceh). Así también, el pasado 10 de octubre (fecha de entrega de los premios de Arte Joven y Artistas con Trayectoria en el Centro de Artes Visuales), Lizette, su hermano Josué y el músico León Enríquez presentaron Pervisua, ejercicio multidisciplinario que fusionó performance, música, video y un porcentaje de improvisación, espectáculo para el cual está buscando nuevas sedes. Y, más recientemente, Lizette actuó en la exposición de Generación Tupperware, con excelentes resultados. A continuación, reproducimos de manera íntegra la entrevista en la que nos describe los diferentes procesos creativos de su propuesta, además de ofrecer sus puntos de vista acerca del “boom” del arte yucateco.
—¿Hace cuánto tiempo que haces performance?
—Desde hace 6 años, cuando empecé a bailar con fuego en el centro, acompañada de otros amigos que tocaban tambores en la Plaza Grande. Pero comencé con los performances conceptuales hace 4 años con mi hermano y otro amigo.
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| Tumàkat, nueva compañía de danza contemporánea establecida en Mérida |
| Vania Duran, su directora, estrena con éxito Brins, obra para niños |
| Texto y foto: María José Evia |
 Mérida, 24 de octubre de 2008. Brins (pedacitos o trocitos, en catalán) se anunciaba como un espectáculo de danza para niños. Y realmente lo es, sin embargo, es apto para todo público; estoy segura que los adultos lo disfrutamos igual. Yo fui con dos niñas pequeñas y, al final, el intercambio de impresiones fue muy emocionante.
Hay que tomar en cuenta, de cualquier manera, que Vania Duran, directora de la Compañía Tumàkat y de esta obra, realizó el montaje para motivar entre el público infantil el acercamiento a la danza contemporánea de manera fácil y divertida. Según ella, los niños carecen de espectáculos de danza especialmente creados para ellos. Y es así.
Yo diría que Brins funciona como un acercamiento a la danza para cualquier persona, y es, ante todo, una demostración de trabajo hecho por profesionales.
Desde luego, Vania Duran también reconoce que “cualquiera puede apreciar y acercarse a la danza, aunque es verdad que cuanto más experiencia se tenga se cuenta con más recursos para poder apreciarla y aún así existen obras de danza que a pesar de la experiencia son difíciles de apreciar.
En el caso de Brins, explica, su sencillez y la diversidad de recursos que emplea (imaginación, música, humor, colores, teatro, luces y sombras, etc.), permite que el público se pueda identificar con las situaciones y emociones por las que pasan los personajes”.
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| Función de “Conmemorates” en su día |
| Acercamiento a la matanza del 2 de octubre con Carballido y María Alicia Martínez Medrano |
| María José Evia |
Mérida, 7 de octubre de 2008. El pasado jueves dos de octubre se cumplieron cuarenta años de la matanza de Tlatelolco. Quienes eran jóvenes entonces ya no lo son y quienes son jóvenes ahora ven aquel día de 1968 muy lejano. No se olvida, dicen, decimos, pero los años pasan y los recuerdos se deforman. Por eso este jueves, en un jardín de la Escuela Modelo, se presentó la obra Conmemorantes de Emilio Carballido. La intención era que todos fuéramos conmemorantes, que los alumnos de preparatoria conozcan los hechos y cómo afectaron la vida de cientos de personas y cómo repercuten aquellos sucesos hoy.
La obra fue dirigida por María Alicia Martínez Medrano, directora del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena, de donde provienen los actores que vimos en escena. La producción ejecutiva fue de la Escuela Modelo.
Los preparatorianos son un público difícil, y la primera llamada se atrasa varias veces hasta que todos están sentados y con los celulares apagados (o al menos, en silencio). Entonces aparecen en una pantalla imágenes de la matanza. Militares, jóvenes, confusión...
¿Qué significan realmente estas fotografías de hace 40 años para una generación que ha crecido viendo guerras televisadas?, ¿pueden realmente removernos, transmitirnos dolor o caos?
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| Teatro lleno con Mestiza Power a tres años de su estreno |
| La risa, síntoma de múltiples experiencias a lo largo de cada función... |
| Texto y fotos: María José Evia |
 Mérida, 30 de septiembre de 2008. Mestiza Power es, sin lugar a dudas, una de las obras yucatecas más exitosas de los últimos años, con 200 representaciones desde 2005. Ha sido llevada a otras ciudades de México, y también a espacios internacionales, como por ejemplo, Chicago, Massachusets y Washington, en Estados Unidos y Cádiz, España. Además, está publicada en “Dramaturgos de tierra adentro III” y se espera una versión en inglés.
Pero, ¿qué tiene Mestiza Power que llama tanto al público?... En primer lugar, está basada en entrevistas a mestizas reales, por lo que la obra nos habla desde adentro. Estas mujeres existen, están en los mercados, en las calles, en los pueblos. A los yucatecos nos habla de nosotros mismos, de mujeres a las que, pese a su constante presencia e infinidad de representaciones a través de la pintura costumbrista, especialmente, nadie había escuchado antes.
Además, Mestiza Power es genuinamente divertida. Los problemas de las mujeres mayas son serios y a veces dolorosos, pero el mejor humor nace del dolor. Así, pasamos de la reflexión a la carcajada sin ninguna dificultad, de la misma manera en la que las mestizas nos hablan de sus amores y alegrías y de los golpes metafóricos y reales que les ha dado la vida.
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| Eglé Mendiburu estrena El Nombre |
| Monólogo de Griselda Gambaro bajo la dirección de Socorro Loeza |
| Texto y foto: María José Evia |
 Mérida, 23 de septiembre de 2008. ¿Qué es un nombre, qué hay en un hombre? Shakespeare enunciaba esta pregunta en una de sus obras más famosas, y la dramaturga argentina Griselda Gambaro nos lo vuelve a preguntar, pero no a través de adolescentes italianos enamorados, sino por conducto de una mujer que trabaja en el servicio doméstico. El monólogo se llama El nombre, y se estrenó el fin de semana pasado en esta ciudad.
Con una banca como única escenografía, en medio de un cuarto negro, esta mujer nos transporta a las casas en las que se ha empleado, el trato con las diversas familias y los nombres que ha llevado en cada una. Cuando cuidaba a un niño fue Ernestina. Así se llamaban todas las nanas del pequeño para evitar confusiones. El cariño que sintió por aquel niño y el dolor de dejarlo la llevan a decidir no cuidar a ninguno más. Entonces, mejor se emplea con una anciana. Allí la llaman Lucrecia, nombre de una hija que ha muerto sin que su madre, ya senil, se entere. Por la vieja no siente cariño… pena, sí.
Mientras María (¿es su nombre verdadero?) cuenta su pasado, queda claro que a ella también le ha llegado la vejez. Interpretada magistralmente por Eglé Mendiburu, María nos lleva por los rincones de su mente, nos muestra la huella que ha dejado cada nombre. Florencia, por ejemplo. Florencia, una ciudad con un río, y también un nombre. “shhhhhh” murmura María/ Florencia, imitando al río.
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